Objektとして知られるイギリス人プロデューサー／DJ、TJ Hertzはベルリンのノイケルンにあるアパートメントの離れで暮らしている。その場所で筆者が彼と会ったのは、今年の7月、雨の降る暑い午前のことだった。そのときはふたりとも意識が朦朧としていた。というのも、Hertzがプレイし、筆者が遊びに行ったフェスティバルFreerotationからまだ数日しか経っていなかったからだ。卵で朝食を作ったHertzと話題になったのは主にFreerotationのことだった。彼は2013年から毎年同フェスティバルに出演している。筆者はその過程の中で彼のDJスタイルが進化していく様を目の当たりにしていた。彼が初めてFreerotationに出演したときのセットは、テクノ、エレクトロ、ポスト・ダブステップを攻撃的にブレンドしたものだった。当時は、彼の躍進作となった12インチ「Cactus」がHessle Audioから発表された時期だ。そして、2014年のセットでは聞きなれないサウンドが取り入れられるようになり、かなりの時間にわたってBPM150のトラックがプレイされた。そのことについて彼は後に「DJしてきた中で一番楽しかった」と語っている。さらにその翌年の彼は、「ジェットエンジンの中で踊っているようだ」とライターのRory Gibbが例えた、フロアをロックするセットで同フェスティバルを締めくくっている。

彼の自宅のカウンターキッチンに座ってふたりで話をする数日前、今年のFreerotationのHertzは筆者がこれまでに聞いてきたものよりも抑制された先鋭的なセットを披露した。スムーズかつ直感的でありながら完全に予測不可能なセットで、巧妙な手さばきによってジャンルとテンポを易々と変化させていたのだ。筆者の友人は、DJを聞いて「どうやってプレイしているんだろう？」と思わされたのは久しぶりだと語っていた。その問いを具体的に言い換えるならば、「どうやってトラックとトラックを移行させているのか？」、「あれほどの劇的な変化をどうやって成立させているのか？」ということになる。

そう問われても曖昧で謎に包まれた回答をするDJが多いのではないだろうか。しかしHertzなら、特有の手法を実践している結果であると説明付きで明快に答えてくれるだろう。彼の作品やDJセットで明らかにされているとおり、Hertzは熱烈なアーティストだが、同時にかなり現実的な考え方の持ち主でもある。何年もDSPディベロッパーとしてNative Instrumentsに勤務し、現在もパートタイムで同社に携わっている彼は、どのようにトラックを移行させるのか、どのように音源をUSBに管理するのか、どのようなギグでプレイするのかなど、活動のあらゆる面にエンジニア的な論理を当てはめている。それゆえに、彼は規格外のDJとして29歳という年齢や10年弱のDJ歴からは想像もつかないレコードコレクションとミックステクニックを有していられるのだ。そしてその論理へ大きなインパクトのクラブトラックに対する鋭いセンスが組み合わされることで完全に独自のサウンドが形成されているのである。

そんなHertzが、ADE開催期間中にRADIONで行わるRAのパーティーへの出演に先駆け、自身のDJで実践している手法について語ってくれた。

Freerotationでのセットやミックス『Kern』であなたのDJスタイルについて気付いたことがあるんです。機敏さとでも言えばいいんでしょうかね。流れを大きく変化させたり、激しく展開をつけたり、いろいろなジャンルやテンポを行き交ったりしていますが、そのどれもがとてもスムーズに行われています。どのように行っているんでしょうか？

自分がどういう方向に行こうとしているかによって違いますね。テンポをあげていくときは比較的簡単です。盛り上がった状態で終わるトラックをかけた後に、結構強烈なビートレス・トラックにつなぐんです。そういうビートレスのトラック数曲を素早くつなげば、もう少し流動的な感じになります。そこからテンポの速い曲をかけるんです。

ビートレスのトラックを連続してプレイするんですか？

そうです。もしくは、ビートレスのトラックを数曲重ね合わせるとか。もちろんどんなトラックなのかによりますけど、ビートレス・トラックを1曲だけかけると、どこか不自然な感じに聞こえることがあるんですよ。アンビエント・トラックを2曲使ってふたつのセクションを橋渡ししたり、そういうトラックを重ね合わせたり、それに合わせてパフォーマンス的にEQを加えたりすると、テンポや勢いの面で自分の行きたい方向性でプレイできるようになるんです。もちろん、新しいセクションを始めるのに適したトラックを選ばないといけないし、その前のセクションを終えるのに適したトラックを選ばないといけませんよ。

僕はこのやり方を完全にマスターしているわけではないんですけど、確実に上手くなっていると思います。このミックスは僕にとってはすごく大事なんですよね。というのも、プレイしようとしているテンポがいろいろとあっても、長い時間をかけてゆっくりとテンポを変えている場合じゃないときもあるからなんです。例えば、BPM150から110に行きたいときがあるんですけど、そういうときは、それまでのテンポを気にならなくするために数分間ビートレス・トラックをかけるしか方法がないんですよね。

どの程度そういうことを意識的に考えているんでしょうか？それとも直感的にプレイしているんですか？

大半は直感です。どういう方向にセットを進めていくのかに関しては計画的に考えることが多いですね。事前に計画していることもあります。セットのことで計画するとすれば、セクションを移行するポイントについて考えることが多いです。今回はどういうふうにしようかとか、どういうふうに切り替えようかとか、そこからどういうふうにしていこうかとか、どういうふうにセットを終えようかとか、そういうことを考えています。

そのために使いやすいプレイリストをRekordboxに用意しています。”セクション・スターター”、”セクション・フィニッシャー”という名前のプレイリストで、それぞれ、「ビートレスで終わるトラック」、「ビートレスで始まるトラック」が入っています。「ビートレスで始まらないけど十分に力強さがあるから、違うテンポでも次のセクションを始められる」っていう感じのトラックを入れるプレイリストを用意するときもあります。ビートレスのDJツールもたくさんありますよ。ビートレスのDJツールは常に探していますね。時間をかけて積極的にそういう曲を探しているわけではないんですけど、ネットでレコードを試聴しているときにそういう曲と出くわすことが多いです。

セクションと言っていますが、ある意味、ひとつひとつのセクションが短いセットのようになっていて、それがつながって長いセットになっているんでしょうか？

何とも言えないですね。本当に長いセットをプレイするときや3～4時間以上プレイするときは、そういう感じでやると思いますけど、2時間のときはそれほど大きく変化させないです。そういうことをまったくしないときもあると思います。それにBPMを大きくても5～10くらいしか変化させないです。BPM150のエレクトロ・セクションと一緒にすごくスローなセクションを同じセットに入れることもたぶんないですね。いつどこで何をプレイするのかを決める要因になっているのはもちろんテンポです。プレイする曲のほとんどがビートマッチしてプレイされますからね。

これはUSBを使った場合の話ですね。

あ、自分のUSBの整理方法についてまだまだ話せますよ。面白いかどうかは分からないですけど。

いや、面白いと思いますよ。人によってUSBの整理方法が違いますし、間違いなくプレイに影響を与える要因だと思います。USBを挿したとき、まず目にするのは何でしょうか？

僕が使っているUSBは128GBで容量がかなり大きいです。その中には、「新譜やしばらくプレイしていなかったけどプレイしたい曲を入れているマンスリー・プレイリスト」と、何て呼べばいいのか分からないんですけど、「形式別プレイリスト」的なふたつのメインフォルダがあります。最初のフォルダには月ごとのサブフォルダが入っている状態ですね。毎月、”クラブ”というプレイリストを作って、その月や前の月に手に入れたプロモや新譜を入れています。どの曲もBPMが110～135ですね。あと、”速い”っていうプレイリストを作ってBPMが135～160のクラブミュージックを入れています。ビートレス・トラック用に”その他”リストも作っているし、BPM90～115のトラック用に”遅い”リストを作ることもあります。その月にそういう曲が手に入った場合の話ですけどね。

各プレイリストには普段何曲くらい入っていますか？

月ごとに違います。たいていクラブ用のプレイリストには曲がたくさん入っていて、50～150曲くらいですね。

月ごと、ですか？

そうなんです。月によって違うんですよ。常に新譜ばかりってわけではないんです。ある月は新譜が150曲になるときもあって、その場合は前の月に使ったものは含めないようにしているかな。でも50曲しかないときもありますね。そういうときは"速い"って名付けたプレイリストへ月ごとに5～10曲追加して、"遅い"や"その他"のプレイリストもそれと同じようにしています。レギュラーのプレイリスト・フォルダの中にテクノのサブフォルダがあって、その中に"BPM130以上のトラックもの"、"BPM130以下のトラックもの"っていう感じで何種類かプレイリストを入れているんです。トラックもののテクノ・フォルダに入ったトラックには1から10までの数字をコメント欄へ付けるようにしています。その数字は曲のハードさを表しているんですよ。それでハードな順に曲を並べ替えるんです。すごく便利ですよ。他にも”便利系”とか”移行系”とかってフォルダもあって、その中には"セクション序盤用"、"セクション終盤用"、"移行用ビートレス・ツール"というプレイリストが入っています。"誰もいないとき用"っていうプレイリストもあって、イベントのオープン時間に自分がプレイしそうな音楽を入れています。他には"速くて機能的"っていうのも大事なプレイリストですね。最近作ったプレイリストに"緊急トイレ用"っていうのがあって、どうしてもトイレに行かないといけないときに備えて10分以上の曲を入れています。

名案ですね。

あと"遅くて機能的"というプレイリストもあって、そっちにはまだ少ししか曲が入っていないですけど、徐々に数が増えています。BPM60～90の曲を入れていますね。

かなり遅いですね。

そうなんです。でもすごく楽しいですよ。次の数年で頑張ってみようと思っているのは、BPM70から150までを網羅するセットです。

テンポに関する話題が多いですが、なぜですか？

なぜですかね。自分でもそうだと気づいていました。テンポに夢中になっているように思われるかもしれないけど、実際はそんなこと全然ないですよ。というよりも、ビートマッチングを行うセットの話だと、どういうプレイをするのかとか、そのプレイができるかどうかってことに関して重要になってくるのはテンポなんですよね。それに僕の場合、というか、僕の持っているレコードの場合だと、テンポありきでセットの勢いが変わるのではなく、ある程度テンポに縛られることなく、自分の狙った勢いを出せるようになってきています。

最初にも触れましたが、これはある意味、自由に変化するあなたのDJセットにつながる話だと思います。ほとんどのDJにとってテンポには拘束力があってプレイの幅を制限することになります。今、説明してくれている手法の多くは、意識しているしていないにかかわらず、この制約から逃れようとする試みなのではないでしょうか。

自分では何とも言えないですね。他人の音楽を可能な限り広範囲にプレイできるようになりたいという願望があって、こういうプレイをするようになったんだと思います。テンポはひとつの軸に過ぎません。様々な次元を持つ音楽のひとつの次元みたいなものなんです。勢いもひとつの軸ですね。色んなメロディ要素も重要だし、密度や、隙間の多さなんかもそう。ある地点から自分がどこに向かっていけるのかを、そうした軸が示しているんですよ。ある地点からスタートして、そこから徐々に上昇していったり、何かツールを使って完全に違うものへ切り替えたりできるようにトラックを整えておくとすごくプレイしやすいです。

あなたのセットのもうひとつの特徴としてミックスの仕方が挙げられます。あるトラックから次のトラックに一気に変化させるのは、それ自体、予測不可能でダイナミックなものです。こういうミックスは意識せずに行っていますか？それともひとつの手法としてトリックやルーティーンを確立しているんでしょうか？

もちろん、何度も繰り返し使っているトリックはたくさんあります。スクラッチはまったくできないですけど、好んで行っている基本的なトリックがいくつかありますよ。

スクラッチしたのを聞いたことがありますよ。

あ、確かにスクラッチをしたことがありますけど、僕はクロスフェーダーがまったく使えないから、頭出ししてときどきチュクチュクってノイズを出しているだけです。勢いが出なそうな場面で勢いをつけていくためにミックスのトリックを使っていますね。僕はEQやミックスを制作ツールと同じだと思っています。DJセット全体のレイアウトの中で、EQやミックスを使えばふたつの異なるものの組み合わせを引き立てられるんじゃないのかな。「DJという行為は曲と曲を並べてその曲をそのままかけるだけ」という考えに従おうとはまったく思いませんね。そういうミックスをしている人にはとても敬意を抱いていますけど、僕がやっていることはそれとはまったく違うんです。

あなたのトリックについて教えて下さい。

ええっと、個別のビートをクロスフェーダーでカットイン。これはすごく大事ですね。そうすることでスネアなんかをパンチインできるので、トラック1曲というよりも素材を使っているような感じになります。あと、フィルターやEQを組み合わせて使って、それぞれの周波数特性がどうなっているのか、そして、どのように相互作用しているのかをしっかり把握しています。この点は僕にとっては本当に大事ですね。

数年前に業界の標準的なミキサーに付いているEQやフィルターのカーブ特性についてレポートを書く仕事を頼まれたことがあるんです。PioneerのDJM-800/900、Allen & HeathのX:ONE 92、当時にRaneが出していたミキサーがその中に含まれていました。その仕事は僕にとってものすごく参考になったんですよね。EQのカーブ特性を実際に可視化したのは初めてだったので。結果はEQごとに相当違っていました。本当に違うんです。それにはすごく考えさせられましたね。少し話題が逸れてしまいますけど、その一件のおかげで、みんなが特定のミキサーの音を良いとか悪いとかって考える理由がすごく分かったんですよ。多くの場合、音の良し悪しに関係しているのは必ずしも音声シグナルの流れるインからアウトまでの回路というわけではなく、どういうEQなのかが大事なんです。低域をカットしたとき音楽の重要な部分までカットされることになるのか、もしくは、大きなスピーカーなんかで鳴らしたときに素晴らしい音になるのか。そういうことがEQによって変わってくるんです。

そのおかげで、X:ONE 92のEQとフィルターの周波数特性がどういうものなのかを視覚的に理解できて、自宅でX:ONE 92を使っていろんなことを思う存分試しました。僕はトラックをどんなふうにミックスしていくかっていうイメージがあるとき、同機の周波数特性を記憶しているのでEQやフィルターをどのくらい変えればいいのか推測したりしません。チリチリのハイハットやボディのあるスネアとかを鳴らすために何をすべきか完ぺきに理解しているんです。どのミキサーで何ができるのかについても覚えています。例えば、ミッドとハイを絞って低域だけを鳴らして、別のトラックのハイハットを鋭くミックスする場合で言えば、DJM-900のアイソレーターを使えばそれが可能なんですけど、X:ONE 92のアイソレーターではローパス・フィルターを使わないとできない。でもそれはEQではなくフィルターを使ってやっていることになりますけどね。

つまり何が言いたいかっていうと、EQをクリエイティブかつ先進的に用いるのも僕のトリックだと言えるんじゃないかなってことです。あと、フェーダーを下げずにターンテーブルを止めることが多いです。

ターンテーブルのストップボタンを押しているだけってことですか？

そうです。

どうしてそうしているんですか？

実は必要以上にレコードをスピンバックしてしまうんです。悪いクセですよ。セットの中で1～2回ならいいんですけど、5～6回だとちょっとやり過ぎですよね。ターンテーブルを止めてもスピンバックより目立たないし、気付かれないことだってあります。ここってときにターンテーブルを止めれば、例えば、まず片方のチャンネルの低域をカットして別のチャンネルのターンテーブルを止めたときにその低域を戻したり、相性のいい組み合わせのレコードをプレイしたりしていれば、単にフェーダーを下げるよりも、すごく曲が移行した印象になるんです。

それは、前の曲の一部がまだ鳴っているからでしょうか？

いや、"ドゥゥゥゥ"って音が鳴るからですね。でも低域をカットして別チャンネルのフェーダーを下げながら低域を戻すだけだと、単にトラックが消えるだけで、何か抜け落ちているように感じるときがあるんです。

他にトリックといえば・・・。EQをリズミカルに使うことですかね。ハイをちょこちょこって感じで。もっとダイナミックに使うこともできますよ。EQを音楽的に使うかどうかで、変化が無くて退屈なミックスになることもあれば、次のトラックに躍動していくようなミックスになることもあります。今言ったようなことはほとんど昔からデトロイトで使われているトリックですよ。僕はそのトリックをそのときの気分で上手く使い分けているんです。

オールドスクールのデトロイトとイギリスのスタイルが等しくブレンドされたようなミックススタイルなんですね。DJのテクニックで影響を受けた人は誰かいますか？

EQとミキサーの使い方に関してはDerrick MayとJeff Millsにすごく影響を受けました。

それは録音されたミックスを聞いていたんでしょうか？それとも実際にDJしているところを見ましたか？

録音されたミックスの方が多かったですね。例えば、Purpose Makerのミックスとか。何回かDerrick Mayを見たこともあります。でも僕はダンスミュージックにどっぷり浸って育ったわけではないので、毎週末のように誰かを見に行って影響を受けていたとは言えないです。ターンテーブルのトリックって意味ではDJ Boneにも影響を受けていると思います。

今でもヴァイナルを使っていますよね。最近まで気づきませんでした。あなたのDJのやり方が徹底的に効率化されていることを考えるとかなり意外なんですが、今でもヴァイナルを持ち運んでいるのはなぜですか？

即時性と楽しさを保つためにヴァイナルが必要なんです。USBだけを使ってプレイすることもありますよ。航空会社のせいでレコードバッグを紛失して完全な手詰まり状態になるようなことはもうありません。いつも自分に「おい、ヴァイナルは厄介だぞ。デジタルにしろ」って言い聞かせているんですけど、またすぐにヴァイナルを使うようになるんですよね。CDJだけでDJすると、どこか距離感があるんです。

結局、僕はヴァイナルでプレイする方が楽しめるんだと思います。ヴァイナルではできないけどUSBだとできることもあります。でも、ヴァイナルでプレイするのを止めたら得られなくなる楽しさもあるんです。ヴァイナルを使うと大変なのは分かっているんですけどね。確実に大変だと思いますね。

どうしてでしょうか？

当然かもしれないですけど、技術的なことに関して僕はものすごく神経質になるんですよ。僕のテックライダー（使用する機材情報をまとめた仕様書）は業界の標準的なセッティングなんですが、それでも1ページ半～2ページくらいの長さになるんです。そのほとんどは、フィードバックが起きない設置とか、ターンテーブルやDJブースのきちんとした設置について書かれています。プロの人にとってはどれも当然のことばかりなんですけど、常に任せっきりにできるとは限りません。完全に信頼できるようになるまで出演したことのあるクラブか、早い時間に到着することが不可能な場所で開催されているフェスティバルでない限り、僕は大抵サウンドチェックをします。サウンドチェックをしたとき、ヴァイナルのセッティングについて何も言わずに済むのは50%くらいで、理想的ではないけれどコンクリートのブロックがあれば問題解消できる場合が25%、良くはないけどプレイできるっていう場合が15%。残りの10%は、USBだけでプレイしないといけない場合です。

技術的問題に対処する方法を学んでいれば、大抵の場合はそれほど酷いことにはならないですけど、単に労力が多くかかって、それだけの労力をかけたがる人がいないというだけですね。その気持ちは理解できますよ。定期的にツアーをしているDJであれば、出演前の時間をのんびりと過ごすのか、1時間前に会場へ到着するのか選べるわけですから。僕の場合、会場とホテルを行き来して常に膨大なセッティングをしています。

多くのDJの場合、会場に到着してセッティングがちゃんとしていなければ、腹を立てるだけで何もしないと思います。その一方であなたの場合は、本来違う人がやるべき仕事を代わりにやってあげていることになるのかもしれません。それが必要なときに限っての話ではありますが。

そのとおりなんですよ。本当なら「ターンテーブル2台とミキサー1台、CDJ2台が必要です。ちゃんと動作するようにしておいてください」って伝えて、あとは会場にいってプレイするだけでいいという状態が理想なんです。でも、それが当然だと思っているなら、賢いとは言えないし、それに対して怒るのは愚かだと思います。DJがプレイする曲を持って会場に行くだけでいいのなら、正直に言ってそのDJはお金をもらい過ぎですよ。こういうことに関してDJはある程度責任を負って、しっかりと自分で満足のいくようにするべきだと思います。幸い、「あの・・・、これだとプレイできないです。セットアップがひどいので」っていう状況はこれまでに経験していないですね。

少し話題が戻りますが、若いときダンスミュージックにどっぷりと浸かってこなかったと言いましたよね。DJを始めたのはいつですか？何がきっかけだったんでしょうか？

DJを始めたのは19歳のときです。10代のときはずっとバンドで演奏していて、ドラムやベース、ギターを弾いていたんです。結構真剣に音楽をしていて、10代の後半にドラマーのプロになろうと考えていました。でもリハーサルとギグの多さに疲れてしまって、自分のための時間が十分に取れなくなってしまったんです。バンドと楽器演奏を休止してからすぐDJにハマりました。ちょうどそのころ、大学の友達がクラブに行ったり、ダンスミュージックを聞いたりしていたときだったので。

当時はどこに住んでいたんですか？

そのときは学生でオックスフォードにいました。音楽シーンはありましたけど、小さい街で、オックスフォードということで学生がたくさんいました。オックスフォードにあるThe Cellarっていうクラブでバンドなんかを集めて妙なギグをやることになって、それに関わることになったんです。早い時間に会場へ行ってサウンドチェック中にCDJの使い方を覚えました。すごく安いミキサーを買って、Traktorの海賊版とPCのキーボードを使ってトラックを動かしながらビートマッチの練習をしていましたよ。

当時聞いていた音楽を話してもぜんぜん面白くないですよ。バンドからダンスミュージックに転向したキッズたちの多くが聞くような音楽を僕も一時期に聞いていました。12か月の間でEd Banger、Diplo、ブログハウス、ミニマルテクノ、テクノという感じで聞く音楽が変わっていきましたね。

オックスフォード周辺の小規模な学生パーティーで頻繁にDJすることになって、サウンドシステムを入れたEclectricっていうバーで小さいパーティーを担当するようになったんです。僕が担当する数年前から、そのパーティーはいわゆる学生パーティーとして人気で既にお客がついていたんです。毎週木曜日に200人くらいが地下のバーに押し込まれていたので、僕がどんなテクノをプレイしても、そのひとたちは好みに関係なく聞くことになるっていう状況でした。

そのときは21歳だったのかな。その時点で僕はもうくだらないブログハウスをプレイしなくなっていました。シリアスなテクノを聞くきっかけになったのはSurgeonだったと思います。僕は、あまり理解されなそうなテクノを結構自由にプレイすることができていたんですよね。決していいDJではなかったですけど、そういうリスクのある曲を進んでプレイしていました。ある意味、マッシュアップ的要素のあるそういうパーティーでDJを初めたことで、「絶対に相性が悪いだろうけどプレイしてもいいかも」っていうポップのレコードをミックスするとか、そういう感性がある程度僕の中に生まれたんだと思います。もちろん、今の僕がプレイしているのは当時とは違う音楽ですけど、そういう「あ、この曲はここにうまくハマるかな」っていうアプローチ自体は今も変わっていないですね。

「自分が進む道はこれなんだろうな」と思ったことはありますか？

いや、ないですね。プロでやっていこうという願望がなかったとは言わないですけど、最初のレコードを出してチャンスが転がってくるまで、この音楽でやっていこうと考えていたわけでは決してなかったです。

どのようにしてチャンスが転がってきたんでしょうか？

ベルリンに移住して2年後の2011年のことで、それまで僕はベッドルームで音楽制作をして曲をネット上にアップしていました。そうしたら、当時Rubadubで働いていたJack Revill（Jackmaster）からレコードプレスとディストリビューションをやらせてほしいと提案があったんです。それが最初のレコード「Objekt #1」でした。それからものすごいスピードでいろいろと進展していきましたね。2011年の1月に「Objekt #1」が出て、2枚目が2011年の中頃に出ました。Hessleの人たちがすぐに取り上げてくれて、それから・・・

Hessleの人たち、ですか？

僕はそう呼んでいるんです。もちろん、Hessle Audioのことですよ。2011年の4月にHessleのパーティーに出演したんです。クラブで行ったのはたぶん3年ぶりだったのかな。ベルリンに移住するまでは毎週末のようにDJしていたのに、移住後は誰も知り合いがいないし、繋がりもなかったので全くDJしなくなりましたからね。そんな状態から急に僕のヒーローたちと一緒にDJをすることになったんです。ヒーローっていうと変な感じがしますね。今ではみんなとすごく仲がいいので。でも、そういう僕の音楽ヒーローたちと500人規模のクラブでプレイすることになったんですよ。その年末にSBTRKTとRadioheadのリミックスをやって、それから東京に行ったし、fabricやBerghainとか、その1年前には思いもしなかったクラブでたくさんプレイしました。それでふと「あ、何となくいい感じかも」って実感したんですよね。

とはいえ、「上手くいくか分からないけど、僕はこれに賭けるぞ」って仕事を辞めることはなかったです。それから2年が経っても昼間の仕事を続けていました。2013年に休暇を取って、その時間を利用して『Flatland』を制作してから、また仕事に戻りました。パートタイムではありますけど、週に20時間働いていますからね。9月にまた休暇を取りますよ。そこからどうするかは考え中です。

仕事をしていてDJスタイルに影響することはありませんか？

確実に諸刃の剣ですね。仕事をしていると、生活費を払うためというよりも自分が本当に楽しめるギグを選ぶことができるようになるのでとてもいいんですが、どちらの活動にも十分に時間をかけられていないと感じることがあります。レコードディギングはしていますけど、スタジオで音楽制作する時間が膨大にあるわけではないです。自分がしっかりと仕事をこなしていると感じられないと楽しめないんですよね。だから、忙しくて1週間のうちにプロモとHard Waxのトップページしかチェックできないときは、詐欺師みたいな気分になりますよ。

プロモのチェックということでお聞きしたいんですが、先ほど話したUSBのフォルダに毎月新しく100曲を追加するだけの音楽をいつ聞いているんですか？

えっと、ダンスミュージックの試聴ってすぐに終わりますよ。テクノのトラックを6分間まるまる聞かなくてもいいんです。

それとは逆で、トラックをプレイする前にしっかりとその曲を理解しておくことが欠かせないという人もいます。

それにはまったく同意できませんね。僕はプライベートでダンスミュージックを聞いたことがほとんどなくて、機能的なダンスミュージックを極力聞かないようにしているんです。そういう曲を人前でプレイするのは楽しいんですけど、環境によっては聞いても楽しくないんです。毎週末、山のようにそういう音楽を聞いていますからね。こういうと語弊があるかもしれないんですが、ある程度距離を保っておく必要があるというか・・・

分かります。

ほら、クラブミュージックって本来機能的なものですよね。もちろんエモーショナルで直感的だったりもするんですけど、それでもクラブで体を動かすために作られているじゃないですか。クラブミュージックに対する熱意や愛情を保つことは僕にとって大切で、そうするためには常に聞き続けないようにするしかないんですよね。これに関しては物議をかもすようなことではないと思います。でも、テクノの12インチを聞くということに関して言えば、そもそもそういうトラックは最初から最後まで聞かれるためではなく、セットの中でミックスされるために作られています。どんなふうにリズムが入って来るのか、いつどんなふうにブレイクになるのか、どういう展開のトラックなのかってことは1曲まるまるじゃなくても少し試聴すれば分かりますよ。経験者としてそう思います。それに僕は飛行機に乗っているときやホテルにいるときは大抵音楽を聞いています。聞いたことのない曲をギグで初めてプレイしたりしません。そういうことをしている人を何人か知っていますけどね。

今でも自宅で練習していますか？

実はしています。普段は週末の前にレコードを取り出してミックスしています。だから自宅では結構ミックスしていますよ。平日に遊びでミックスすることはないですけど、ギグに出掛ける前はいつもミックスしていますね。

もうひとつ言いたいことがあったんですけど、何だったか思い出せないんですよね。最後の質問に関係していることだったんですけど、どんな質問でしたっけ？

「大量の音楽をどうやってチェックしているのか？」ですか？

その前は何でしたっけ？

別の仕事をしていることはアーティスト人生にいい影響をあたえるかどうかについて話しましたよ。

そう、それです。別の仕事をすることには他にも絶対にポジティブな点があるって言おうとしていたんです。僕はDJをやっていて綱渡りのように感じることがよくあって、自分のやっていることをすごく楽しんでいると同時に、そこにかなりフラストレーションを感じることがあります。DJを聞きに来ている人たちと十分につながりを感じられないギグが何度かあると、結構幻滅しますね。これは決してDJをして生活していることに不満があるって意味ではなくて、「自分がオーディエンスのひとりになりたいと思えるパーティーでプレイすることがすごく大事なんじゃないか」ってことです。そうしないと日曜日の夜に帰宅したとき、「僕は何をやっているんだろう」って思ってしまいますよ。

ギグが終わるたびに、僕のプレイした音楽を目の前で喜んでくれる人たちに対して僕も同等の喜びと感謝を感じたいと思いますね。そういうふうに感じられなければ、「飛行機で飛び回ってクラブにいる人たちにテクノをプレイしてそれなりにお金をもらっているDJ」という状況すべてがどこか間違っているように思えてくるんです。それを正しいと思える唯一の方法は、すべての体験を肯定してくれるようなすごくパーソナルなつながりをそこに見出すことなんですよ。そのつながりがなければ、数学とかコーディングとか違うことに頭を使える仕事の方が僕は満足できると思います。DJ以外の二次的な収入源を持つことで引き受けるオファーをちゃんと選べるようになるので、僕の場合、そういうポジティブなギグが大半を占めています。今年は9割がそういうギグですね。これに関してはものすごく幸運なことだと思っていますよ。